A Art Outsider / Art Brut: o inconsciente criativo. A loucura na criação artística e a descoberta do Mundo Interior

22 Fevereiro 2018, 08:00 • Vítor Manuel Guimarães Veríssimo Serrão

A Art Outsider / Art Brut:  o inconsciente criativo. A loucura na criação artística e a descoberta do Mundo Interior. A Psicologia da arte. Definição dos problemas, com recurso a Freud e Jung: noção de inconsciente criativo. Arquétipos: 1910: Sigmund Freud, Uma Recordação de Infância de Leonardo da Vinci; 1914: Sigmund Freud, O Moisés de Michelangelo; 1932: Carl Gustave Jung, «Picasso» in O Espírito na Arte e na Ciência. Momentos significativos do encontro entre psicologia e reflexão sobre arte. O Palácio Ideal do carteiro / escultor Ferdinand Cheval  (1836-1924): um sonho esculpido. «Fils de paysan, paysan, je veux vivre et mourir pour prouver que dans ma catégorie il y a des hommes de génie et d’énergie». Cheval, Ernst, Picasso -- e o Manifesto surrealista de André Breton. A descoberta do mundo interior A interiorização do olhar em Gustave Courbet e Édouard Manet: •A diluição das fronteiras entre o interior e o exterior, entre o espaço pictórico e o espaço real. Hans Prinzhorn (1886 - 1933): em 1920 reúne na Clínica Psiquiátrica de Heidelberg 5. 000 peças de doentes mentais provenientes de asilos de vários pontos da Europa; em 1922  escreve a sua obra mais conhecida Artistery of the Mentally Ill onde analisa o trabalho de dez doentes psiquiátricos (the schizophrenic masters) seleccionados a partir da colecção de Heidelberg; a repressão nazi e a campanha contra a 'Arte degenerada'; a Colecção Prinzhorn: August Natterer, franz Pohl, Heinrich Anton Muller, etc. Em 1945 Jean Dubuffet cria a Collection d’Art Brut em que reúne um dos acervos mais significativos de arte realizada em contexto psiquiátrico e define o conceito de Arte Brut: «Nous entendons par-là des ouvrages exécutés par personnes indemnes de culture artistique […] Nous y assistons  à l’opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l’entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions. De l’art donc où se manifeste la seule fonction de l’invention». A obra de Adof Wolfi, Aloise Corbaz, Carlo Zinelli. O trabalho de Nise da Silveira, psiquiatra brasileira com formação junguiana que em1949 cria o atelier de arte na Secção de Terapia Ocupacional do Hospital Psiquiátrico Pedro II  e em 1951 funda o Museu das Imagens do Inconsciente, onde expõe as obras dos seus pacientes. O Museu Miguel Bombarda: a obra de artistas como Jaime Fernandes. A ART BRUT como 'género' no campo vasto da História crítica da arte.

Apresentação do Programa.

20 Fevereiro 2018, 08:00 • Vítor Manuel Guimarães Veríssimo Serrão

TEORIA DA HISTÓRIA DA ARTE

LICENCIATURA EM HISTÓRIA DA ARTE E PATRIMÓNIO

3º ano --- 2º semestre, FLUL, 2017-2018

Docente: Prof. Doutor Vitor Serrão

 

Sinopse: objectivos gerais:

 

      O programa da disciplina visa definir conceitos, fundamentos, objectivos fundamentais e também limites da História da Arte como ramo científico da Ciência das Humanidades que visa estudar, interpretar, avaliar e dialogar com as obras artísticas. Importa, assim, estruturar as bases de teorização dos fenómenos de criação, recepção, re-criação e fruição, com recurso ao estudo de artistas, movimentos estéticos, correntes, posições críticas, discurso das obras segundo uma reflexão plural e, em especial, a conceitos e princípios ligados à produção das artes. Dá-se enfoque à Iconografia e à Iconologia, instrumentos operativos da ciência histórico-artística, e ao modo como a disciplina foi posta em prática desde Aby Warburg a Erwin Panofsky, passando por E. H. Gombrich, Ernst Cassirer, Meyer Schapiro, Gertrud Bing, Frances Yates, Michael Baxandall, George Kubler, David Freedberg, George Didi-Huberman ou Daniel Arasse a fim de se explicar a operacionalidade da análise iconológico, até à Sociologia da Arte (Pierre Francastel), ao marxismo (Frédéric Antal, Theodor Adorno, Nicos Hadjinicolaou), ao feminismo (Linda Nochlin, Griselda Pollock) e demaios correntes ‘de género’, à tradição recente de estudos iconológicos (Hans Belting, Axel Bolvig), sem se esquecer as visões sobre a ‘obra aberta’ (Umberto Eco) e a ‘indústria cultural’ (Adorno) e, sobretudo, os conceitos de ‘artworld’ de Arthur C. Danto, Howard Becker e Raymonde Moulin.

     Estudam-se a essência e transcendência das obras de arte e seus tipos comportamentais (trans-contextuais, trans-memoriais) incluindo os fenómenos de repulsa e fascínio (iconofilia, iconoclastia), com recurso a exemplos medievais, modernos e contemporâneos. Aborda-se a prática da História da Arte na sua base de teorização com enfoque nas correntes positivistas e formalistas, na História Social da Arte, na Semiótica, na Psicologia da Arte, nos novos «géneros» como o Feminismo, o Pós-Colonialismo, a Micro-História da Arte, a Art Outsider e a Art Brut, a Street Art, e o que, em suma, se chama História da Arte Total, com suas visões globalizantes. Estudam-se, enfim, os conceitos de liberdade individual e de produção e as instâncias do mercado contemporâneo à luz das circunstâncias da Globalização e das novas tecnologias.

     A disciplina visa, assim, dar um balanço necessário sobre os problemas teóricos a par do bom uso das novas metodologias pluri-disciplinares no campo da investigação em História da Arte, sem perder nunca a conceptualização analítico-descritiva e crítica dos fenómenos do mundo da criação que envolvem o facto artístico. Assim, o programa estrutura-se, com naturalidade, por estes e outros pontos de análise, propondo uma reflexão sobre os modos de ver a arte e de problematizar tanto o acto criativo como a sua plena fruição.

 

PROGRAMA

 

1. A História da Arte e a globalização: eppure si muove…

1.2. Consciência da trans-contemporaneidade das artes.

1.2. Perspectivas e discursos: os conceitos de aura (Benjamin) e de inexprimível (Adorno).

1.3. Fortuna crítica da globalização: mercado, consumismo e discurso das artes.

1.4. Globalização, arte e progresso: como investigar com a arte, hoje.

1.5. História e Crítica da Arte, um destino comum.

 

2. A Iconologia como proposta metodológica.

2.1. História das imagens e das ideias expressas pelas imagens, ou a alternativa às correntes positivistas, deterministas e formalistas.

2.2. Antecedentes da Iconologia: desde Jacob Burckhard a Aby Warburg (1866-1929), a Fritz Saxl (1890-1948), a Erwin Panofsky (1892-1968) e à criação do Warburg Institute.

2.3. Desenvolvimento do método: a obra de Panofsky e suas relações com a Filosofia, a Semiótica, a Psicanálise e a Antropologia. Heranças panofskianas: a iconologia como disciplina humanística.

2.4. Problemas de ordem metodológica, teórica e prática na definição do pensamento iconológico.

2.5. A «Nova Iconologia»: renovação de usos, métodos de análise e bases interpretativas.

 

3. Da Antiguidade Clássica à Idade Moderna: o surgimento da Teoria da Arte.

3.1. Imagem mitológica e fontes literárias: breve noção. Ovídio e as Metamorfoses. Divindades e heróis. Signo, sinal, imagem descritiva. A cosmologia e o panegírico nas artes.

3.2. A secularização da imagem e as correspondências pagãs. Revitalização dos ciclos astrológicos. A scintilla divina de Alberti (e de Francisco de Holanda) e o triunfo da idea motriz.

3.3. Conceito de liberalidade artística. A Emblemata de Alciato, a Iconologia de Ripa, as obras de Horapollo, Colonna, Valeriano, Otto Vaenius. O movimento neoplatónico florentino: o pensamento de Marsilio Ficino.

3.4. A Igreja Católica e a Contra-Reforma. Os princípios estéticos tridentinos (Cesare Baronio) e o combate à iconoclastia protestante: o decorum. Renovação iconográfica no Concílio de Trento: propaganda e imagem sacra.

3.5. Estética como ética: um novo humanismo no campo das artes. Benito Arias Montano e a defesa da bondade inata das artes. Arte para crer ? Ver para crer ? Ou crer na arte ? 

 

4. A época contemporânea: novas visões, novas globalizações.

4.1. Uma História da Arte ideologicamente comprometida: novos géneros de pesquisa. A Art Brut (Prinzhorn, Dubuffet). O Feminismo (Griselda Pollock, Linda Nochlin). Os estudos pós-coloniais: conceitos de mestiçagem e miscigenação (Peter Burke, Serge Gruzinski). A micro-história da arte (Ginzburg). A disciplina face a novos géneros artísticos nela integrados (Fotografia, BD, Land Art, Street Art, Arte Digital, etc).

4.2. O iconoclasma e a iconofilia na era contemporânea: o poder imenso e a fragilidade absoluta da obra artística. A visão iconológica face à «arte degenerada» e à «arte de resistência» (a propósito da produção artística hitleriana, mussoliniana, estalinista, franquista e salazarista). Os iconoclasmas do milénio.

4.3. A era da reprodutibilidade das artes: Walter Benjamin. Do original à banalização da réplica.

4.4. A visão iconológica (Nova Iconologia), o marxismo (Adorno, Antal, Hadjinicolaou) e a possibilidade de ‘novas vanguardas’ na viragem do milénio (Hobsbawm e o debate em torno da ‘morte das vanguardas’).

4.5. O conceito de História da Arte total e como parte integrante de uma interpretação globalizante das obras de arte particulares.

 

5. Conclusões.

5.1. De Ripa-Baudoin à Ciência das Imagens de Warburg e Panofsky.

5.2. A liberdade criadora, a indústria cultural e os conceitos de artworld (Danto).

5.3. A Iconologia face às suas múltiplas abordagens (sociológica, marxista, filosófica, psicanalítica, semiótica). A dimensão cripto-artística. De Arthur Belting à Nova Iconologia: novas problematizações.

5.4. Teoria da trans-contemporaneidade das artes.

5.5. História da Arte total. Sentido e limites da abordagem iconológica.

 

Objectivos de aprendizagem:

Estimular e desenvolver a prática de investigação na perspectiva de maiores conhecimentos no campo da Teoria da Arte e da Estética, definindo o objecto de estudo da História da Arte, as definições de «arte», «cliente», «mercado» e «mundo da arte, questionando as grandes linhas do debate teórico nesta área e os saberes em campos como a Iconologia, a Semiótica, a Sociologia da Arte e os novos géneros da História da Arte. Promover a autonomia crítica com base na solidez dos conhecimentos adquiridos. Desenvolver competências de acordo com o perfil de um Doutorando: planeamento e execução de uma dissertação, com peso na problematização teórica de um tema específico, alargando as perspectivas multidisciplinares e globalizantes.

 

Demonstração da coerência dos conteúdos programáticos com os objectivos de aprendizagem da unidade:

A análise e o debate dos casos de estudo enunciados permitem alcançar os objectivos de aprendizagem pretendidos em torno da Teoria da Arte. Os temas escolhidos procuram abranger diferentes épocas e tipos de produção artística, bem como circunstâncias distintas de identificação, estudo, teorização e qualificação estética. Procura-se, ainda, atender às formas de divulgação dos resultados da pesquisa, segundo diferentes tipos de discurso, consoante os públicos a que se destinam. Este exercício destina-se a desenvolver as competências no campo da realização das teses de doutoramento dos alunos.

 

Metodologias de ensino (avaliação incluída):

O ensino assente numa tipologia de Seminário, onde se procura uma exposição clara e objectiva dos casos de estudo. Estimula-se o debate, com a participação crítica dos alunos. A acompanhar a perspectiva conceptual, são referidos exemplos práticos resultantes da aplicação dos critérios de actuação. É fornecida uma abundante documentação visual para estimular a compreensão do processo de actuação. A avaliação é ponderada entre o nível e qualidade de participação (10%), um teste presencial (40%), e a realização de um trabalho prático de reflexão original sobre uma questão de Teoria das Artes, que será objecto de apresentação e discussão (70%). Este Trabalho Prático, texto crítico sobre um texto, um autor ou uma problemática teórica relacionada com a História e Crítica da Arte, a entregar até ao final do Semestre (em fim de Maio no limite) e a apresentar oralmente (início de Junho) numa aula suplementar de avaliação e discussão.

 

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Textos para reflexão:

 

 

1º texto:

 

A noção de PROGRAMA ARTÍSTICO é o objectivo fundamental de uma História de Arte moderna, actuante, útil, operativa, socialmente comprometida. Como disse Warburg, «a História da Arte mais não é do que a investigação orientada e sempre interdisciplinar que visa o entendimento globalizante (estético, histórico, ideológico, contextual, etc) das obras de arte particulares à luz da compreensão dos seus ’pontos de vista’ intrínsecos, isto é, das condições culturais, políticas, socio-económicas, laborais, de perdurações e continuidades, de ideologias, etc – numa palavra, «o entendimento iconológico das obras» (ABY WARBURG, 1866-1929)

 

 

2º texto:

 

«A SINGULARIDADE é idêntica à sua forma de se instalar no contexto da tradição. Esta tradição é, ela própria, algo de inteiramente vivo, de extraordinariamente mutável. Uma estátua antiga de Vénus, por exemplo, situava-se num contexto tradicional diferente, para os gregos que a consideravam um objecto de culto, e para os clérigos medievais que viam nela um ídolo nefasto. Mas o que ambos enfrentavam da mesma forma era a sua singularidade, por outras palavras, a sua AURA». Pretende-se entrever aqui as relações entre tudo o que parecia disperso e amalgamado, numa capacidade de perceber as relações, afinal estreitas e clarificantes, entre a matéria bruta e o imaginário da produção de bens de consumo. (WALTER BENJAMIN, A Obra de Arte na Era da sua Reprodutibilidade Técnica, 1936).

 

 

3º texto:

 

«Diz o gramático indiano ao barqueiro: sabes gramática? E quando este responde que não, ele diz-lhe: perdeste metade da tua vida. Diz o barqueiro ao gramático, quando a barca se vira: sabes nadar? e quando este responde que não, ele diz-lhe: então perdeste toda a tua vida. Mas o que poderia haver de melhor que um gramático que soubesse nadar e um barqueiro que percebesse de gramática?» (UMBERTO ECO, Sobre os Espelhos e Outros Ensaios, Difel, Lisboa, 1989, p. 52). Esta história retomada por Eco serve a abordagem da obra de arte, com base nas imagens artísticas privilegiadas, num autor como OMAR CALABRE, ao longo de sete capítulos reunidos no livro Como se Lê uma Obra de Arte, com olhares complementares incluindo a apreciação estética e o entendimento global das obras de arte, englobando as suas características específicas enquanto objecto estético, as mutações dos valores estéticos e os juízos de valor subjacentes na apreciação do observador/receptor/usufruidor.